Foto: El Vodevil, S.L.

Me siento pulga. Sobre textos de
Enrique Jardiel Poncela y Miguel Mihura
Dirección: Susana Hernández
Intérpretes: Susana Hernández y Ascen López
Producción: El Vodevil, S.L.
Hasta el 4 de julio en la Sala Pepe Rubianes (Club Capitol, Barcelona)

Hay algo en el humor de Jardiel Poncela y de Mihura que permanece con el devenir del tiempo. Un poso que mantiene su vigencia a pesar de los años transcurridos. Y un talento cercano al de otros grandes genios de la comicidad verbal, como Groucho Marx, capaz de sacarle punta al lenguaje y a las situaciones cotidianas, por muy tristes que estas sean.

Me siento pulga reúne algunas piezas, fragmentos y cuentos de los dos madrileños, en una suerte de cocido bien servido por dos estupendas actrices, Susana Hernández (quien ejerce, a su vez, de directora) y Ascen López, ofreciendo su talento al servicio de unos textos no siempre fáciles de llevar a escena. Tengamos en cuenta que los personajes femeninos creados por ambos autores, aun siendo muchos de ellos protagónicos, no siempre desbordaban inteligencia (en especial cuando se trataban de señoras de alto copete), no siempre tenían cogida la sartén por el mango y no siempre dejaban de ser simples partenaires cómicas en sus conocidos vodeviles. Sin embargo, la selección de piezas permite el lucimiento de las actrices siempre y cuando, como es el caso, se tengan suficientes tablas como para, basándose en la limpieza escénica (dos sillas, dos murales fotográficos alegóricos y música de Gardel y Piazzola como acompañamiento), declamar los elaborados juegos malabares lingüísticos de los creadores del texto. Y dando una visión en perspectiva del universo femenino en sus obras.

Fragmentos sobre el amor y las relaciones de pareja, sobre la inevitable “tía Asunción” que atormenta a sus sobrinas, sobre el papel de la mujer en la sociedad, sobre la manía de los gallegos que responden con otra pregunta, y el eco, que lo hace sin callarse la verdad, son momentos que llegan al punto más álgido con el cuento del pueblo pesquero sin mar, uno de los grandes clásicos de Mihura, y hacen de Me siento pulga un acto de amor hacia el ingenioso humor de dos maestros del género.

José A. Muñoz

Primaris.
Texto y dirección: Carles Mallol
Producción: Companyia La Soga
Intérpretes: Marc Garcia Coté, Marta Montiel, Elisabet Vallès, Albert Puigdueta, Marta Corral y Elies Barberà
Escenografía: Ricard Prat i Coll
Estilismo: Georgina Viñolo
Iluminación: Sergi Torrecilla
Diseño de sonido: Ariadna Alsina
Asesoramiento de movimiento: Francesc Mas
Fotografía: Duna Fotografia
Maquillaje fotografías: Montse Tolosa
Teatre Tantarantana (Barcelona), hasta el 23 de mayo

La nueva propuesta de la Compañía La Soga, cuarta de su trayectoria, no puede estar más a tono con la realidad social: Pocos días después del estreno, un instituto de Castalla (Alicante) tuvo que cerrar sus puertas por la conducta agresiva de un alumno hacia el profesorado y la dirección del centro.

No es tema para bromas. La relación entre padres e hijos, entre alumnos y profesores, precisa de un análisis profundo. Violencia, incomunicación, agentes externos… Todo conlleva a una desconexión de la que son partícipes las partes que intervienen en ella. Primaris, a su manera extrema, ayuda a reflexionar sobre los conflictos generacionales que conducen a esa crisis.

Sala de profesores de una escuela de primaria y secundaria. Cuatro miembros del profesorado esperan la llegada de los alumnos de una de las clases. También ha de regresar la directora, que ha permanecido de baja por depresión. Cuando llega, se encuentra en estado de shock y llena de magulladuras: una de las alumnas ha robado su coche y le ha atropellado. Sus compañeros no pueden creerlo. Uno de ellos avisa al padre de la chica sin advertirle de lo sucedido. Cuando hace acto de presencia, la directora rectifica la narración de los hechos para no involucrar a la alumna, pero los acontecimientos se precipitan. Toda la clase amenaza con matar al profesorado si intentan salir o avisar a la policía. El juego prosigue ante el asombro de los espectadores. Los adultos van desapareciendo de escena, convirtiéndose en víctimas de los menores, mientras se desvelan subtramas que provocarán una crisis no menos importante: relaciones sentimentales, “colegueo” entre el profesor de educación física y los escolares, ambiciosos deseos de una de las protagonistas por convertirse en directora…

Foto: Duna Fotografía - Companya La Soga

Primaris parte de un profundo trabajo de campo con profesionales de la enseñanza y de la creatividad resuelta por parte del equipo actoral y técnico. Todos volcaron sus experiencias para dar forma a un montaje sencillo pero efectivo, cuya trama se ve interrumpida con testimonios de los adultos, quienes narran sus propias vivencias (relaciones conflictivas con los padres, responsabilidades, dificultades del sistema educativo). Además de los puntos diferenciadores que conducen al problema, no se ha obviado el humor (negro, negrísimo), que remarcan los propios actores con sus interpretaciones. En este punto, se agradece la soltura del reparto, la identificación con su correspondiente personaje y el formato escogido. Desde la aparición de los actores minutos antes del inicio de la función representando físicamente algunos momentos de la obra, hasta los toques de efecto, a modo de cliffhanger, con efecto musical e imagen congelada propios de las teleseries. Precisamente resulta fundamental la imagen como elemento que acerca Primaris a uno de los factores que más ha influido en ese distanciamiento entre generaciones: el mundo audiovisual.

Recomendable para quienes busquen reflejos de la realidad en la que vivimos y encontrar, a través de ellos, respuestas a sus miedos sobre la juventud, Primaris quizás ofrezca más que muchos textos teóricos de referencia.

José A. Muñoz

Hamlet, de William Shakespeare
Dirección: Oriol Broggi
Biblioteca de Catalunya, hasta el 30 de mayo

Reparto: Hamlet: Julio Manrique; Gertrudis: Clara Segura; Claudi: Ramon Vila; Poloni: Jordi Martínez; Horaci: Marc Rodríguez; Ofèlia: Aida de la Cruz; Laertes: Jordi Rico

Fotos © La Perla 29

Qué gran noticia la reposición del Hamlet de Oriol Broggi en la Biblioteca de Catalunya, casi un año después de su éxito en este magnífico espacio. Y qué maravilloso camino está trazando este director que, de manos de la compañía La Perla 29, vuelve después de estrenar en el TNC Electra, e incorporando a Clara Segura en el papel de Gertrudis en sustitución de Carme Pla, que  está en La Villarroel con Tres dones i un llop.

El espectador se va a sentir dentro de la obra desde el principio. Porque la magia del espacio lo favorece, porque el actor está piel a piel jugándosela a escasos centímetros, y porque tres horas de teatro no son nada si es teatro auténtico. Teatro auténtico, sí, del que se ve poco, del que apenas se disfruta, porque el riesgo se echa de menos en demasiadas escenas. Shakespeare en mayúsculas.

El crítico va a la obra con su libretita, dispuesto a apuntar, como si fuese una receta o un manual de instrucciones, los aciertos y errores, de una puesta de largo que sólo puede hacerse por parte de quien ama el teatro de texto. El crítico, en este caso como en todos, podría enumerar aspectos de los que podría prescindir el director. Como si prescindir fuese posible cuando se crea desde la libertad. Tal vez no son necesarios algunos guiños a la actualidad – como la referencia a “la unidad de España -, algunas músicas incompresiblemente contemporáneas, la aparición de la guitarra que tan chirriante es en Electra y que aquí también quiere tomar protagonismo, el uso puntual del inglés y el italiano como muestra de un mundo ahora globalizado, el histrionismo de un Hamlet que se hace la loca a ratos, con risas que le acercan a la caricatura de un excéntrico Mozart, y otros tics del lenguaje de Broggi. Pero apuntar estos detalles, separados de su globalidad, sería un error. Una falta de perspectiva.

Y es que el crítico ha dejado de serlo a los pocos minutos, y se ha convertido en espectador. Puro espectador. No saca la libretita, porque sólo quiere seguir la obra, disfrutar de los matices, saborear cada muestra de la inteligencia de su director y actores que, a partir de un clásico, nos muestran el teatro dentro del teatro, la frágil línea entre la locura y la cordura, la ambición desmesurada, el sentido de culpa, los lazos de la amistad, o el amor en todas sus expresiones.

No son pocos los que critican que en el teatro catalán siempre se ven a los mismos actores, que a su vez son las mismas caras que se repiten en la televisión pública, y tal vez no les falta razón. El papel que Broggi le ofrece a Julio Manrique podría servir, simplemente, para que un actor se luciese. Un regalo para la vanidad. Pero Julio Manrique es mucho más que eso, se muestra valiente, y no se deja llevar por una tentación demasiado fácil.

Julio Manrique es Hamlet, y Hamlet es Julio Manrique,  en uno de los mejores papeles que el que les escribe ha visto en un escenario. ¿O no es un escenario? Está vigoroso, potente, dejándolo todo en los tonos, controlando la fuerza cuando debe hacerlo, y explotando cuando su personaje – o él – lo reclama. Entiende las exigencias humorísticas de Broggi al dedillo, y vuelve a lo sublime en décimas de segundo. Manrique es comedia, tragedia y épica sin parar, mezclando registros, y haciendo de un texto complejísimo, su voz más naturalizada.

Pero Julio Manrique no está sólo. Todos, sin excepción, bordan su cometido. Y no es fácil. El desdoblamiento en decenas de personajes diferentes no se hace extraño, y permite ver una obra total con la simple caracterización de una capa que viste y desviste a las diferentes voces. Si de entre ellos hemos de destacar a alguien, no podemos dejar de maravillarnos con un Poloni perfecto, interpretado por un Jordi Martínez que reconcilia a cualquiera con el teatro. Maravillosa representación de un maravilloso actor.

Qué más dará  si Hamlet está loco o no, si la traición entiende de remordimientos o se hace desde la crueldad más fría e insensible. Lo que importa es el teatro, el texto, el teatro, el gesto, la mirada, el teatro. A todos aquellos que aún dudan del papel de la escena frente al cine, a todos los que no entienden la diferencia entre las dos artes, deberían ir a ver este Hamlet.

Y el crítico, o aprendiz de crítico, sale al jardín del antiguo Hospital de la Santa Creu, y mira su libretita cerrada. Y suspira. Qué gran tarde le han hecho pasar. Qué bella sigue siendo, después de todo,  la irrepetible libertad del teatro.

Albert Lladó
www.albertllado.com

Penèlope
Idea original y adaptación payasa: Pepa Plana
Dirección: Nola Rae
Payasa/Penèlope: Pepa Plana
Asesoramiento mágico: Mag Lari

Sala Muntaner, hasta el 30 de mayo.

¿Es posible hacer una adaptación de la Odisea de Homero, desde el punto de vista de Penélope y en clave “payasa”? Si alguien tenía dudas al respecto, Pepa Plana nos demuestra que con unos pocos elementos, sus dotes más que demostradas y una sabia dirección de Nola Rae, la idea puede dar buenos frutos.

Ramón (Ulises) coge la puerta y se larga. Pepa (Penélope) se queda hilando en casa con su máquina marca Sparta, Pepita (la criada), y un pajarraco ladrador de nombre “Chispa”. Nuestra protagonista utilizará la cuerda roja con la que va hilando para crear motivos de algunos episodios del poema épico en un tendedero. Así, podemos visualizar la nave en la que partió, la fortaleza de Troya y la isla de Ogigia, donde reinaba Calipso quien, como es sabido, se convirtió en amante de Ulises, formando una familia con siete hijos.

Pepa Plana se pasa a Homero por el Arco de Triunfo y hace su propia interpretación del texto. Penélope es moderna, reivindicativa. Penélope tuvo la idea del Caballo de Troya. Penélope no perdona a Ulises la infidelidad con Calipso. Además, la payasa ejecuta otros papeles, como el de la chacha, mujer a la que tiene que despertar contínuamente para que salga a buscar las cartas que se van recibiendo de su marido; recurre también a la danza de Haka Ka Mate para asumir la identidad de los guerreros troyanos. Plana se crece y se encoge dependiendo del personaje, consiguiendo que estas sean las más logradas de sus interpretaciones. La colaboración del Mag Lari en los efectos mágicos de la función apoyando, siempre, a la artista en un montaje simple pero efectivo, permite que el disfrute, tanto encima del escenario como en la platea, sea aún mayor.

Fotos © Pepa Plana

José A. Muñoz

Foto © Espai Brossa

ManiFest Groc
Dirección: Xavier Giménez Casas
Intérpretes: Marta Guasch, Xavier Llorens,
Vanessa Torres y Sergi Cuadrado
Música: Make-D
Espai Brossa (Barcelona)

Vuelve la gente del Teatre Kaddish al Espai Brossa después de haber mostrado su Cabaret Voltaire la temporada pasada, y con más de 30 años de teatro a las espaldas hecho desde el Prat de Llobregat desde que, en 1975, un grupo de estudiantes del Institut Baldiri Guilera se pusieran bajo la batuta de Josep Costa para recuperar experiencias teatrales demasiado olvidadas. Por lo que se ve, no han parado desde entonces, regenerando caras e ilusiones.

Como en Cabaret Voltaire, también dirigido por Xavier Giménez Casas, hay un estudio antropológico de las vanguardias, pero en este caso centradas en Catalunya, entorno a lo que se denominó “Manifest Groc”, pero que en realidad se tituló originariamente “”Manifest antiartístic català”. Fue publicado en 1928 en “L’amic de les arts” a modo de reivindicación de un nuevo arte, más comprometido con la vida que con la Academia, con guiños a movimientos como el futurismo, el dadaísmo o el surrealismo, y como un verdadero canto a la juventud y a la estética entendida como experiencia radical.

Con Breton como claro referente, J.V. Foix, Sebastià Gasch, Lluís Montanyà, Joan Miró – y con la complicidad de Salvador Dalí – defienden un arte que vaya más allá de lo correcto técnicamente, que busque su finalidad en las líneas de ruptura, y que ponga en crisis los ideales que han llevado al Hombre a la Primera Guerra Mundial y que, pocos años más tarde, le arrastrarán a repetir el horror de la sangre y la violencia, siempre de la mano del refinamiento burgués. Antes, Salvat-Papasseit ya había redactado “Contra el poetes amb minúscula. Primer manifest català futurista”, en 1920.

La puesta en escena no es poco arriesgada, como la misma idea del espectáculo exige. Comienza la propuesta con una video-creación de Maite Travé, que va deshaciéndose de una piel artificial que le cubre la cara. Fuera máscaras. Make-D acompaña la pieza a través del hip-hop, mientras que los actores recitan el manifiesto a ritmo de rap. “El futuro no ha llegado aún”, repetirán en diversas ocasiones.

Poner en duda la autoridad, criticar el arte decorativo y proponer uno más combativo, puede llevar a momentos de cierta ingenuidad, pero la obra se sostiene por un ritmo bien trabajado, alternando diferentes escenas óptimamente marcadas y que no dejan al espectador relajarse. Nos preguntamos por la vigencia de un manifiesto como el que nos ocupa, adaptándonos a nuestros días, pero sin caer en efectismos ni recreaciones que nos aparten de lo que se nos quiere contar.

Seguramente, el punto álgido de ManiFest groc llega cuando se visualizan los caligramas de Salvat-Papasseit, aunque también se acierta con la aproximación a un autor como Diego Ruiz. Es precisamente esta tarea la encargada a un joven Sergi Cuadrado, que además nos explica cómo ganó un prestigioso premio de investigación gracias a un estudio en el que mostraba por qué los caramelos Mentos, al mezclarse con Coca-cola, crean una curiosa explosión. Una intervención que, en contra de lo que podría parecer, refuerza la metáfora de la revolución artística y aporta una naturalidad que el público agradece notablemente.

Los actores saben adaptarse al frenético tempo.  Xavier Llorens se mueve con suficiente agilidad. Vanessa Torres utiliza conscientemente su mirada altamente expresiva. Marta Guasch se muestra seductora e irreverente, y llega a acaparar la atención de todas las miradas.  Aquí tenemos dos actrices a seguir sin titubeos. Nos van a dar gratas sorpresas.

Finalmente, hay un exceso de esa idea de “fiesta colectiva”, una especie de orgía de saberse joven y provocador, sin que el que está sentado en la butaca participe del todo. Demasiadas veces, y durante demasiado rato, los actores bailan caóticamente una música que, en contra de conseguir su objetivo, puede llegar a aburrir. Por el resto, un espectáculo altamente recomendable. Por su buena documentación, por unos actores que se creen lo que hacen y lo disfrutan, y por una dirección que, sin miedos, arriesga y acierta.

Albert Lladó
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Magnifics sons.
Dirección: Eles Alavedra
Cantantes: Maria y Marta Torras
Piano: J. J. Caro
Guitarra: Albert Faz
Teatre Gaudí (Barcelona)

No me gustan los musicales. Seguramente, es un prejuicio construido en mi yo más interior por haber nacido en los 80’, y haber escuchado demasiadas veces la “filosofía” de Nacho Cano y compañía. En todo caso, es algo que tengo asumido y que no he intentado cambiar, al contrario. Por eso mismo, aún no entiendo cómo acepté cuando me invitaron, desde el Teatre Gaudí, a ver Magnifics sons.

La propuesta, protagonizada por las hermanas Maria Torras y Marta Torras, promete que “te sentirás como en Broadway” y eso, aún, me producía más pánico. Se trata de hasta 19 canciones a modo de remember, incluyendo temas de clásicos como Cats, Avenue Q o Les Misérables, entre muchos otros.

La primera sensación es de absoluto respeto hacia dos mujeres que, durante más de una hora, aparecen en un escenario demasiado grande, sin artificios escenográficos, y desnudando sus voces. Son valientes y se exponen junto a dos músicos que están más que a la altura. En las interpretaciones existen algunos excesos, algo de sobreactuación en ocasiones, pero en general se agradece mucho que no nos quieran imitar los espectáculos de color y griterío que otros musicales quieren imponernos. Hay sobriedad, hay contención escénica, y hay música en directo, sin descanso, que no es poco.

Sin embargo, hay un vacío en la dirección. La estructura no está bien fragmentada, no hay discurso narrativo y, por ello, cuesta encontrar los momentos de clímax de la propuesta. Además, da la sensación que las hermanas Torras tienen material para dos espectáculos, y han querido integrarlo todo en uno sólo, con el riesgo que ello supone. Se hace demasiado largo. Los pocos recursos utilizados (antifaz, bombín, un guiño ventrílocuo…) demuestran que hay una historia a contar y que podría haberse explicado algo mejor.

Magnifics sons tiene una muy buena materia prima. Las protagonistas se comprometen y no caen en histrionismos. Y seguramente eso es lo que importa. Puede gustar a aquellos que quieren escuchar, muy de cerca, los temas más conocidos de la escena internacional del musical, pero poniendo el acento en la letra – que está traducida constantemente en el fondo del escenario – y en las voces vivas y honestas de Maria y Marta Torras.

Albert Lladó
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2.24
Producción de Bramant Teatre
Autores: Pascual Carbonell y Jerónimo Cornelles
Dirección: Jerónimo Cornelles
Actores: Juan Mandli y Victoria Salvador
Versus Teatre

Los actores Juan Mandli y Victoria Salvador, dirigidos por Jerónimo Cornelles, interpretan a dos personas que consumen su cotidianidad en un viaje diario  de vuelta a casa en metro, en el que coinciden con miradas que pueden parecer cómplices.

Se trata de una apuesta que recurre a lo epistolar para construir un texto que, a veces, consigue inquietar al espectador y que, otras veces, consigue aburrirle. Sin duda, es admirable el esfuerzo de los dos actores solos ante una escenografía muy simple – el banco del vagón -, pero hay  repeticiones innecesarias que comparten logros narrativos que se interrogan sobre la razón y el delirio.

Dos minutos veinticuatro segundos es el tiempo exacto que transcurre entre una estación y la otra, entre lo imaginario y lo real, y en el que los dos personajes intercambian cartas y gestos, en un juego que finalmente tan sólo ocurre en la cabeza de uno de ellos.

La propuesta viene de manos de la compañía valenciana Bramant Teatre, que ya había representado en Barcelona “Construint a Verónica” y “Reencuentros”. Es recomendable para aquellos que quieran ver un ejercicio textual puro, en el que el diálogo se muestra desnudo, con todas las virtudes y defectos que ello puede dejar al descubierto.

Foto © Versus Teatre

Albert Lladó
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Desiguals
Autor y director: Ever Blanchet
Intérpretes: Maria Clausó, Karme Málaga, Laura Sancho

Teatre Gaudí (Barcelona), hasta el 31 de enero de 2010

Fotos: Teatre Gaudí/Martí Fradera

El paso del tiempo, el amor y la amistad incondicional de dos mujeres (Mar, interpretada por Laura Sancho, y Rita, a la que le da forma y voz María Clausó), las esperanzas y los desengaños, el miedo y los celos, los vaivenes de las relaciones personales, y un tercer personaje inestable e indeciso (Alicia, protagonizada por Karme Málaga) que sirve como enlace y puente de otras historias paralelas.

Mar y Rita se han amado intensamente, pero cuando comienza la obra están ya separadas, aunque mantienen la relación cómplice. No es una pieza que quiera hacer apología de nada, y trata el lesbianismo con una naturalidad que se agradece. El peso del paso de los años se ve reflejado en los movimientos de las actrices  que se van haciendo más lentos, en sus gestos, en un cabello que cada vez aparece más gris. Tan sólo se cambia de vestuario Alicia, la más joven de todas, periodista que busca incesantemente una espiritualidad que no encuentra, un new age inocente e ingenuo,  y que – aunque ha mantenido una relación amorosa con las otras dos – acaba con un marido que le es infiel.

Mar está  obsesionada con el orden, con dejarlo todo atado, porque teme a la vejez y a enfermedades como el Alzheimer. Y, de esta manera, se encarga enseguida de tener sitio en una residencia para ancianos en la que pasará sus últimos días junto a Rita. Alicia las cuidará, a cambio de heredar un estupendo ático, y así les hablará de la vida exterior. El paso de los años se nos indica con unos carteles que se van mostrando en el escenario: un año, dos años, tres años, cinco años, nueve años, muchos años después…. pero también con la muerte de las madres (Mar llama “el cobrador” a la madre de Rita), que les hace darse cuenta que sólo se tienen a ellas mismas. Una vida, en definitiva, contada en hora y media de espectáculo.

La interpretación es acertada. No hay histrionismos y se consigue buenas dosis de ternura y humor. El texto de Blanchet busca tocar la piel, contarnos un relato con el que nos podamos identificar, una naturalidad que demuestre todas las fragilidades. Y, en cierta medida, lo consigue. Pero el intento de explicar una historia total, un proceso tan largo en el tiempo, hace que la obra se haga lenta, demasiado lenta, y nos queda la sensación de que pudiéramos habernos ahorrados algunos minutos.

La escenografía es uno de los indiscutibles aciertos de Desiguals. Un montaje colorido, un cuadro dividido en cuatro espacios, que se entrelazan con pasillos de césped artificial,  y con un panel de fondo en el que se pueden ver  modelos “perfectas” contrapuestas a las protagonistas, mujeres comunes, atractivas a su manera, pero sin estar obsesionadas con el canon de belleza que impone el cine y la televisión. Las butacas, organizadas en forma de “U”, rodean un ambiente íntimo, doméstico, en el que los espectadores pueden ver el día a día de dos mujeres que querían cambiar el mundo cuando se conocieron y que, al final, se conforman con permanecer juntas hasta sus últimos días.

Rita, que ha trabajado durante toda su vida de profesora, pasa las horas en la residencia leyendo al psicoanalista francés Jacques Lacan. Un buen guiño de Blanchet para reflexionar sobre el lenguaje y la vida. Somos lenguaje, el lenguaje nos salva. La vida, nos dice Rita, se divide en tres etapas: la ilusión del principio, el desencanto con el paso de los años, y la bondad, que es el estado natural de los muertos.

Albert Lladó
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Piso de charol

Dirección: Hermann Bonnín
Ilusionista: Hausson
Partenaire: Neva Torres
Iluminación: Pep Barcons
Escenografía: Manolo Trullás

Video y fotos: Espai Brossa / Albert Julve

Espai Brossa (Barcelona). Hasta el 6 de diciembre de 2009

Si tuviéramos que definir rápidamente el nuevo espectáculo del mago Hausson diríamos que es elegante, sobrio, con un glamour que funciona como guiño al cine del Hollywood de los años 30, aquél que quería recuperar la esperanza después del crac de la bolsa de 1929. El punto de partida son los juegos visuales que Busby Berkeley utilizaba en sus musicales – que son proyectados entre truco y truco – en forma de imágenes caleidoscópicas.

Hausson conoció el cine de Berkeley gracias a Brossa, que era un gran admirador de su obra. Incluso, le dedicó una sextina y un poema visual. Por ello, no es extraño que Hermann Bonnín (corresponsable del Espai Brossa junto a Hausson) haya querido dirigir este nuevo espectáculo. Hay mucho de la concepción estética y artística de ambos en esta propuesta de magia e ilusionismo. Blancos y negros, confetis, una iluminación muy cuidada, y una música excelente: las composiciones de Duke Ellington ayudan a recrear el ambiente del Cotton Club de Harlem.  Una delicia para los amantes del buen gusto, del clasicismo bien entendido.

Por si fuera poco, la voz en off de Josep Maria Pou, interpretando a Orson Wells, abre la sesión con una reflexión sobre el cine, el teatro y el tiempo. Cuando observamos un truco, sea de interpretación o de magia, nos preguntamos “cómo se hizo” si es a través de la gran pantalla. Si el “engaño” es en el teatro, el interrogante se actualiza: ¿cómo se ha hecho?

Como decimos, el ambiente recreado, el Nueva York más romántico e idealizado, es uno de los grandes aciertos de la propuesta de Hausson. Su partenaire, Neva Torres, luce una réplica exacta del vestido que Ruby Keller lleva en el número final de la película 42nd Street. Él, de negro riguroso, mantiene el ritmo, la postura, el temple, y hace participar al público sin caer en el humorismo artificial e ingenuo del que otros humoristas han abusado demasiadas veces.

Los números, aunque adaptados a la atmósfera, son clásicos. Y funcionan. Un truco de pañuelos es, ahora, un juego con discos de la época. Hay cartas, hay monedas e, incluso, se utiliza la típica caja (esta vez, en forma de Empire State Building) en la que la partenaire peligra al parecer ser diseccionada. Tal vez, el momento álgido, en el que todos los asistentes aplauden con más ganas, es cuando un pájaro pasa de la jaula a  estar dentro de una bombilla que, minutos antes, permanecía encendida.

Piso de charol es, en definitiva, un espectáculo de magia y estilo, recomendable para todos aquellos que busquen algo más que una serie de trucos espectaculares. Si tenemos que destacar algún punto flojo, tal vez podríamos pedir algo más de conexión entre alguno de los números y el ambiente recreado, algo más de contextualización. Pero, en general, se consigue el objetivo principal: homenajear al cine, al jazz, y al mejor ilusionismo. Joan Brossa hubiese disfrutado de lo lindo.

Es baden bosquets de noies./ Som a anys llum del teatre. Són llunes/ que giravolten als estudis Warner/ i que al cor del cinema obren nous cercles;/ com polpa d’altres fruits i braços i cames,/ només el cine pot donar aquest ritme…  (Fragmento)

(Sextina a Busby Berkeley, Joan Brossa)

Albert Lladó
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Una comèdia espanyola
Obra original de Yasmina Reza

Dirección: Sílvia Munt
Intérpretes: Ramón Madaula, Xicu Masó, Maria Molins, Cristina Plazas, Mònica Randall
Escenografía: Xavier Millán

Sala Gran del TNC (Barcelona), hasta el 8 de noviembre de 2009
Fotos: Alberto Nevado | TNC

Teatro dentro del teatro. Unos actores que miran al público, y al supuesto autor de la obra sentado en una butaca escondida, y que van explicando qué significa esto de actuar, de hacer teatro y de ponerse en la piel de diferentes personajes y situaciones. Nada nuevo. La obra más ambiciosa de Yasmina Reza, que ha experimentado el éxito internacional con excelentes piezas como Arte o Tres versiones de la vida, llega al Teatre Nacional de manos de Sílvia Munt. Y lo hace dejando un agridulce sabor de boca, porque se aprecian las intenciones, el querer explicar la delgadísima línea que separa – o no – realidad y ficción, y la complejidad de las relaciones familiares al mismo tiempo, pero se hace desde un texto demasiado apoyado en tópicos, con monólogos frágiles e inconsistentes, y con resultados que no logran despistar la superficialidad de una reflexión que podría ser mucho más atractiva viniendo de Reza. Sin embargo, la maestría de los actores, la sabiduría de Munt, y la acertadísima escenografía de Xavier Millán hacen que valga la pena acercarse al TNC.

Cinco actores franceses ensayan una comedia española. Es la historia de una familia compuesta por dos hermanas actrices (Maria Molins y  Cristina Plazas) el marido de una de una de ellas (Ramon Madaula), la madre (Mònica Randall) y la reciente pareja de ésta (Xicu Masó). La hermana mayor se dedica a un teatro muy intelectual, minoritario, y ensaya el Tío Vania de Chéjov mientras observa con envidia cómo su hermana pequeña aparece en las revistas de papel cuché, es reclamada por todos los cineastas de moda y se prueba vestidos para la ceremonia de los premios Goya en los que está nominada. El marido es un profesor de matemáticas alcoholizado, al que le pesa la vida, y que carece de voluntad y carácter más allá del comentario irónico que utiliza durante las cenas familiares. La madre ha encontrado una ilusión para vivir, el señor Fernando, administrador de fincas que es recibido como un extraño por las hijas y que comprueba, estupefacto, la relación enfermiza e histérica que mantienen la familia.

Ésta es la parte mejor trabajada de la obra. Madaula está, simplemente, excelente. Cabe destacar la escena cuando cae al suelo, ebrio, y lo hace sin recurrir a la caricatura, sin un mínimo exceso. Por otro lado, es sorprendente el regreso, después de muchos años de no pisar escenarios, de Mònica Randall. Creíble, serena, contenida. Xicu Masó es el entrañable Fernando en una interpretación solemne, minuciosa, con el ritmo necesario para hacer sonreír al espectador. Cristina Plazas también retrata bien a la hermana histérica que tiene pánico a convertirse en una maruja. Tal vez, aunque el tono general es positivo, Maria Molins no consigue perfilar bien todos los matices de sus dos personajes. La vemos que llora y se queja igual cuando hace de actriz glamurosa que cuando, ya fuera de la comedia, se dirige al público o a la cámara que la está entrevistando.

Por otro lado, la escenografía, sencilla pero efectiva, ayuda mucho a entender el carácter cambiante y fragmentario de la propuesta de Reza. Cuando los actores no están ensayando, y hablan de su oficio, un primer plano de sus rostros se ve proyectado en la pared del fondo del escenario. Cuando están dentro de la comedia, tan sólo un anexo con una barandilla se convierte en un balcón. Se da aire a un supuesto comedor sin la necesidad de construir un aparatoso montaje escénico. Por ello mismo, nos preguntamos si era preciso ofrecer esta obra en la Sala Gran, cuando la Petita parecía mucho más adecuada para inducir un calor que el público no siente.

Como decíamos, la debilidad del texto se aprecia en los fragmentos en los que los actores abandonan la comedia – que realmente sí que consigue divertir al espectador – y reflexionan sobre el hecho de transmitir emociones desde sus personajes. Molins se pregunta “qué quiere decir exactamente ser yo mismo” o Madaula explica que el verdadero objetivo del actor es “aniquilar al autor”. ¿El actor es un artista?, ¿Por qué necesitamos de la ficción para comprender nuestras propias verdades?, ¿Sabemos, exactamente, en qué consiste la realidad?

Evidentemente, la propuesta de Reza no escatima en riesgos. Pero peca de ambiciosa, no porque no lo pueda ser, sino porque no resuelve bien esas reflexiones sobre el teatro y la vida. No las desarrolla con nuevos argumentos, todo nos suena ya, y hace que perdamos la atención. Es una lástima porque Sílvia Munt cuenta con los mejores actores y con unos recursos escénicos que sorprenden por su efectividad.

Albert Lladó
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